Zoom sur… la mise en couleurs du livre « Didée » (les coulisses)

Un dessin au trait, c’est une maison dont on vient de monter les murs. Tout est là : la forme, les personnages, le décor, l’expression des visages. Il manque pourtant quelque chose d’impalpable, qui change tout. La lumière. L’heure du jour. La chaleur ou le froid. L’émotion. C’est le travail de la mise en couleurs, et c’est souvent là que le livre prend vraiment vie.

La vidéo de cet article vous ouvre les coulisses de la mise en couleurs du livre « Didée ». Une descente en apnée dans l’atelier, là où les pages passent du noir et blanc à la couleur, touche après touche. Et elle rappelle au passage une idée qui nous est chère : pour ajouter une touche unique à vos événements, une œuvre originale (caricature, illustration, aquarelle…) à l’effigie de ceux qui comptent pour vous laisse un souvenir mémorable.

L’angle de cette page : la mise en couleurs d’un livre illustré. Comment on choisit une palette, comment la couleur raconte l’histoire, comment on garde la même teinte de pull d’un bout à l’autre du livre, et comment on passe de l’écran au papier sans mauvaise surprise.

La couleur, deuxième naissance d’une illustration

Dans un livre illustré, le travail se fait souvent en deux temps. D’abord le dessin : recherches, crayonnés, mise à l’encre. Puis la couleur. Dans la bande dessinée, ces deux étapes sont parfois confiées à deux personnes différentes, le dessinateur et le coloriste. Dans l’album jeunesse, l’illustrateur fait souvent les deux.

La mise en couleurs n’a rien d’un coloriage. Colorier, c’est remplir des formes. Mettre en couleurs, c’est décider de ce que le lecteur va ressentir. Une même scène, avec le même dessin, peut devenir joyeuse, inquiétante ou mélancolique selon les couleurs choisies. Un ciel orangé raconte la fin d’une journée ; un ciel vert pâle, l’orage qui approche ; un bleu profond, la nuit et ses secrets.

Guillaume Néel, le fondateur de Graph’in !, est auteur-illustrateur de plus de vingt livres. Il connaît bien ce moment où la page blanche… pardon, la page en noir et blanc, se met à respirer. C’est un moment de plaisir, et aussi de beaucoup de décisions.

Avant la première teinte : la palette du livre

On ne met pas en couleurs un livre page par page, au fil de l’inspiration. On commence par prendre de la hauteur et regarder le livre entier.

Une palette limitée

Un livre réussi a une palette, c’est-à-dire un ensemble de couleurs qui reviennent et se répondent. Cette palette donne au livre son identité visuelle, comme une charte graphique donne la sienne à une entreprise. Elle peut être chaude ou froide, douce ou contrastée, vive ou passée. Elle se choisit en fonction de l’histoire, du public et du ton.

Le scénario des couleurs

Les studios d’animation utilisent un outil qu’on appelle parfois « color script » : une bande de petites vignettes qui montre l’évolution des couleurs tout au long du récit. On peut faire la même chose pour un livre. Chaque double page est réduite à une petite image, et on voit d’un coup d’œil le rythme du livre : le début lumineux, le passage plus sombre au milieu, le retour à la lumière à la fin. Ce plan évite les répétitions et donne au lecteur des respirations.

Une dominante par séquence

Dans le détail, chaque séquence de l’histoire peut avoir sa couleur dominante. La scène dans la forêt baigne dans les verts, la scène au coin du feu dans les orangés, le rêve dans les violets. Le lecteur, même très jeune, sent qu’il a changé de lieu ou de moment, avant même de lire le texte.

La couleur raconte l’histoire

Une fois la palette posée, la couleur devient un outil de narration à part entière. Elle a plusieurs missions.

• Situer : l’heure, la saison, la météo, l’intérieur ou l’extérieur.
• Faire ressentir : la joie, la peur, la tendresse, la solitude.
• Guider le regard : la zone la plus lumineuse ou la plus saturée de l’image attire l’œil en premier. Le coloriste s’en sert pour montrer au lecteur ce qui compte dans la scène.
• Faire reconnaître : un personnage principal se repère plus vite s’il porte toujours une couleur qui lui est propre, une écharpe rouge, un manteau jaune, des cheveux d’un roux particulier.

La couleur peut aussi créer des liens entre les pages. Une teinte qui apparaît discrètement au début de l’histoire et revient en force à la fin donne au lecteur une sensation de boucle bouclée, sans qu’il sache toujours dire pourquoi.

Garder la même couleur d’une page à l’autre

C’est le casse-tête de tous les coloristes : la cohérence. Sur trente pages, le pull du héros doit rester exactement du même bleu. Le chat doit garder le même pelage. La maison, les mêmes volets. À l’œil, sur un écran, une petite dérive passe inaperçue. Imprimée, côte à côte, elle saute aux yeux.

Quelques méthodes permettent de garder le cap.

• La fiche couleurs des personnages : pour chaque personnage, une planche de référence avec ses couleurs exactes (peau, cheveux, vêtements), et leurs versions à l’ombre et en pleine lumière.
• Le nuancier du livre : toutes les couleurs de la palette, enregistrées et nommées, pour piocher toujours dans les mêmes teintes.
• Le travail par lots : mettre en couleurs plusieurs pages en même temps, ouvertes côte à côte, plutôt qu’une page après l’autre sur plusieurs semaines.
• Les variations assumées : quand l’éclairage change (nuit, coucher de soleil), les couleurs changent aussi, mais de façon cohérente. Le pull bleu devient bleu-violet la nuit, pas vert.

Cette rigueur est invisible pour le lecteur. C’est justement le but : il ne doit jamais trébucher sur une incohérence, pour rester dans l’histoire.

Pinceau ou stylet ?

La mise en couleurs peut se faire à la main ou à l’ordinateur. Chez Graph’in !, nous pratiquons les deux, et chacun a ses forces.

La couleur traditionnelle

Aquarelle, gouache, acrylique, encres, crayons de couleur : les techniques traditionnelles donnent des textures uniques, des accidents heureux, des transparences qu’on obtient difficilement autrement. L’aquarelle, en particulier, a cette légèreté et ces fondus qui conviennent si bien aux albums jeunesse. En revanche, elle pardonne peu : une erreur se rattrape mal, et chaque page est un original qu’il faudra ensuite numériser avec soin pour l’impression.

La couleur numérique

À la tablette graphique, la couleur se pose sur des calques séparés : les aplats, les ombres, les lumières, les textures. On peut modifier une teinte sur tout le livre en quelques clics, revenir en arrière, essayer plusieurs ambiances. C’est très pratique pour la cohérence. Le risque est l’excès inverse : une couleur trop lisse, trop parfaite, qui manque de vie. Beaucoup d’illustrateurs ajoutent donc des textures de papier ou de pinceau pour retrouver le charme du fait main.

Les techniques mixtes

Entre les deux, toutes les combinaisons existent : un trait à l’encre sur papier, scanné, puis mis en couleurs à l’écran ; des fonds peints à l’aquarelle, assemblés avec des personnages colorés en numérique. Le choix dépend du rendu voulu, du délai et du budget du projet. Pour voir comment une illustration passe du croquis à la couleur, étape par étape, lisez la Créa de la Semaine consacrée à l’illustration de Manitou Group.

De l’écran au papier, sans mauvaise surprise

C’est l’étape qui fait le plus peur aux auteurs : l’impression. Une couleur qui éclate sur l’écran peut sortir terne sur le papier. Aucune malédiction là-dedans : juste de la physique.

L’écran affiche les couleurs en lumière, selon le mode RVB (rouge, vert, bleu). L’imprimerie les reproduit en encre, selon le mode CMJN (cyan, magenta, jaune, noir). Certaines couleurs très vives, en particulier certains verts, bleus électriques, oranges et roses fluo, n’ont tout simplement pas d’équivalent en quadrichromie. Elles sortent forcément plus sages.

Pour éviter les déceptions :

• travailler sur un écran calibré, qui montre les couleurs le plus fidèlement possible ;
• vérifier régulièrement le rendu en simulation CMJN, pendant la mise en couleurs et pas seulement à la fin ;
• tenir compte du papier : un papier couché brillant rend les couleurs plus éclatantes qu’un papier mat ou non couché, qui les adoucit ;
• demander une épreuve à l’imprimeur avant le tirage, et la regarder à la lumière du jour.

Une bonne mise en couleurs anticipe tout cela dès le départ. On choisit une palette qui s’imprime bien, plutôt que de découvrir les écarts au moment du bon à tirer.

Les pièges de la mise en couleurs

Quelques erreurs reviennent souvent, chez les débutants comme chez les plus aguerris quand le temps presse.

• Tout saturer. Quand chaque couleur est poussée au maximum, plus rien ne ressort, et l’œil se fatigue au bout de trois pages.
• Oublier la lumière. Une image sans source de lumière claire paraît plate : on ne sait pas d’où vient le soleil, ni l’heure qu’il est.
• Noyer le texte. Dans un album, le texte se pose souvent sur l’illustration. La zone qui l’accueille doit rester assez calme et assez claire (ou assez sombre) pour qu’on puisse lire sans effort.
• Changer de style en cours de route. Une page plus travaillée que les autres, parce qu’on avait plus de temps ce jour-là, casse l’unité du livre.

La meilleure parade reste le recul : imprimer les pages en petit, les étaler sur une table, et regarder le livre comme un tout.

Pourquoi filmer les coulisses ?

Montrer le travail en train de se faire, comme dans la vidéo de « Didée », fait plaisir au dessinateur. C’est aussi une excellente idée de communication, pour un auteur comme pour une entreprise.

Les coulisses fascinent. Voir un personnage prendre ses couleurs en accéléré, une page grise devenir lumineuse, cela retient l’attention bien plus qu’une image finie. Ce type de contenu se partage facilement sur les réseaux sociaux, et il montre une chose que l’image seule ne dit pas : le temps, le geste, le savoir-faire. Pour un artisan, un créateur ou un studio, filmer ses coulisses, c’est rendre visible ce que le client ne voit jamais.

Et si l’œuvre originale était un cadeau ?

La couleur et le dessin ne servent pas qu’aux livres. Une illustration originale, une aquarelle ou une caricature à l’effigie d’une personne qui compte pour vous fait un cadeau qui ne ressemble à aucun autre : pour un anniversaire, un départ en retraite, un mariage, les quarante ans d’une entreprise. Un objet unique, fait à la main, qu’on garde toute une vie. Nous avons d’ailleurs raconté une de ces fêtes dans l’article consacré à l’animation des 40 ans de Véranda Rideau.

Livre illustré, album jeunesse, illustration pour une entreprise, portrait à offrir : entre Nantes et Ancenis, et à distance partout en France, l’atelier de Graph’in ! dessine et met en couleurs vos projets. Découvrez notre offre de création graphique, feuilletez nos réalisations, puis racontez-nous votre histoire. On s’occupe des couleurs.

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